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¿Por qué el ritmo es lo más importante?

¿Por qué el ritmo es lo más importante? - Sergio Mora

El ritmo es lo más importante. Puede ser una afirmación un poco atrevida y tajante pero voy a tratar de darte varias razones para demostrarte por qué es tan importante trabajar bien el ritmo si quieres tocar y sonar perfectamente.

El ritmo es la base de la música. Si tocáramos cualquier escala, acorde o arpegio con un ritmo pobre, sonaríamos lineales o aburridos. Si tuviéramos problemas de ritmo, tocaríamos mal directamente. Por lo tanto, da igual que sepamos muchas escalas o acordes, que toquemos muy rápido o que sepamos tocar cualquier canción; si tocamos mal rítmicamente no sonará bien. A menudo, veo en mis clases alumnos que han recibido formación anteriormente, o que ya tienen experiencia musical, con problemas de ritmo que les impiden avanzar y sonar correctamente.

¿Esto a qué es debido? Es sencillo, no han trabajado nunca el ritmo o, si lo han hecho, ha sido poco y mal. Un mito que escucho habitualmente es «yo soy muy malo para el ritmo». No hace falta decir que es completamente falso. Si que es verdad que hay personas a las que les cuesta un poco más que a otras pero eso no significa que con trabajo y práctica no puedas conseguir ser bueno rítmicamente. Y es aquí donde viene el problema. Sin una práctica habitual del ritmo (al menos en las primeras fases) no se consiguen resultados. Con el ritmo hay que ser constante.

El trabajo rítmico es principalmente el desarrollo de nuestro oído musical.

El ser capaces de poder escuchar música y distinguir el pulso y las figuras rítmicas es gracias a la comprensión teórica previa y después al trabajo que hayamos hecho con nuestro oído y el ritmo. Por último, es muy importante practicar adecuadamente. Sin una buena práctica con metrónomo, da igual que dediques muchas horas. Si practicas mal, no habrá resultados. Ahora, te enumeraré diferentes razones por las que trabajar el ritmo debe ser algo prioritario.

  1. Sonar bien cuando improvisamos. A veces nos quejamos de que cuando improvisamos no suena bien. Muchas veces es culpa del mal ritmo.
  2. Tocar en una banda. Para poder tocar con otros músicos es vital que todos toquen bien rítmicamente. Si no es así, los ensayos y directos pueden ser un verdadero desastre.
  3. Grabar tu música. Cuando inmortalizamos nuestras canciones es imprescindible tocar cada nota rítmicamente bien porque si no va a sonar todo bastante mal o extraño y nuestra música no será agradable de escuchar.
  4. Tocar canciones de tus grupos favoritos. Si tienes un buen control del ritmo, será mucho más fácil tocar pasajes un poco más complicados rítmicamente y tocar con facilidad riffs o solos donde aparezcan figuras rítmicas que ya has practicado e interiorizado.
  5. Leer partituras. Trabajar la lectura rítmica es aprender un idioma. Por lo tanto, si sueles practicar lectura rítmica habitualmente, serás más rápido leyendo y comprendiendo partituras día tras día.
  6. Tener una buena base. Da igual qué tipo de músico quieras ser o en qué te quieras especializar. Si quieres ser un músico de directo, de estudio, dedicarte a la enseñanza o simplemente pasar buenos momentos, aprender, comprender y poder tocar sin problemas, el ritmo debe ser algo esencial en tu estudio.

A continuación, te recomendaré diferentes formas y consejos para mejorar el ritmo y empezar a sonar de forma profesional.

  1. Metrónomo. Trabajar con esta herramienta es fundamental para conseguir resultados. Busca uno físico o directamente busca en internet la palabra «metrónomo» y tendrás varios para empezar a practicar. Antes de comenzar, tienes que saber que el metrónomo marca la velocidad (tempo) a la que queramos sonar o practicar. El pulso, también conocido como latido (beat) será el click que escucharás de forma constante cuando pulses play en el metrónomo.
  2. Trabaja las principales figuras rítmicas con metrónomo. Puede ser un buen propósito intentar controlar estas figuras rítmicas que te dejo a continuación. Puedes empezar simplemente llevando el pulso a negras (1 nota por click). Hazlo para empezar con una sola nota, después con un acorde (rasgueando) y por último recorriendo una escala. Te dejo el enlace a una lección de ritmo básico: Ritmo y metrónomo 1.  9 Figuras rítmicas básicas - Sergio Mora
  3. Trabaja el ritmo también con drum tracks (pistas de batería). Tocar sobre un ritmo de batería puede ser más divertido y estarás trabajando el ritmo de una forma amena. Te preparará para cuando tengas un grupo. En este canal de Youtube que te dejo a continuación, tienes diferentes pistas de batería bastante interesantes para empezar a practicar:  https://www.youtube.com/user/LumBeat
  4. Trabaja el ritmo sobre backing tracks improvisando. Una vez que ya comprendes y va sonando bien el ritmo con metrónomo, es el momento de comenzar a practicar figuras rítmicas con backing tracks para empezar a demostrar lo aprendido, enfrentarte al ritmo en otro escenario y, sobre todo, disfrutar de la improvisación. Lo primero que tienes que hacer es coger el pulso (latido) del backing track elegido. ¿Qué es el pulso? El pulso o latido (beat) es una sensación constante y regular que hace que movamos nuestro pie, cabeza, palmas, etc. de forma regular. ¿Cómo coger el pulso? Escucha atentamente la música y da una palmada cada vez que lo sientas. Tienes que hacerlo de forma regular. Si lo haces bien, notarás que vas coordinado con la música. Si lo sientes raro, posiblemente estés haciéndolo mal.
  5. Toca canciones o partes de ellas mirando la partitura y observa qué figuras rítmicas emplea. Escuchar una melodía familiar y saber qué figuras usa puede ayudarte a comprender mejor el ritmo y tener referencias rítmicas.
  6. Combinaciones de figuras rítmicas. Una vez que ya tengas las figuras básicas aprendidas y puedas tocarlas con facilidad, te recomiendo hacer combinaciones entre ellas. Por ejemplo: negra más dos corcheas o cuatro semicorcheas más dos corcheas.
  7. Los silencios. No te olvides de que el ritmo también implica silencios de diferentes duraciones. Tu música sonará más original si usas silencios.
  8. Compases. Es muy importante comprender qué son los compases y qué figuras puedes usar en ellos. El compás más usado es el 4/4.  Definición de compás de 4/4:
    El 4 de arriba hace referencia al numero de pulsos (tiempos) que hay en el compás ( 1 2 3 4). El 4 de abajo hace referencia a la figura Negra. Por lo tanto, compás de 4/4 quiere decir 4 pulsos del valor de una negra. Puede ser un buen compás para empezar a practicar ritmo ya que es muy común y puede que te resulte mas fácil para empezar. No obstante, cuando te sientas cómodo, te recomiendo empezar a practicar en otros tipos de compases.
  9. Cantar el ritmo. Esta recomendación es superútil para poder tocar subdivisiones (tocar dos corcheas en un pulso, por ejemplo). Cantar el ritmo en voz alta con metrónomo o sobre un backing track, te ayudará a entender mejor el ritmo que quieras tocar.

Puede que algún concepto te resulte un poco abstracto y difícil de comprender. En la práctica, todo esto se ve mucho más claro. En mis clases trato de enseñar todo esto de forma dinámica, amena y, sobre todo, muy práctica.

 

Si estás interesado en mejorar tu ritmo con la guitarra eléctrica así como otras materias (composición, improvisación, armonía moderna aplicada a la guitarra…), contáctame y empecemos a trabajar en ello en mis clases online.

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Cómo evitar la tensión al tocar

Un cambio muy importante en mi forma de tocar fue disminuir la tensión que ejercía. Durante «demasiado» tiempo asumí que para mejorar o tocar más rápido y técnico tenía que forzar la maquinaría (las manos) para poder llegar a conseguir mis retos como guitarrista. Cada vez que subía el metrónomo llegaba la tensión. Cuando tocaba practicar un ejercicio o pasaje complicado, de nuevo… la tensión. Y como no podía ser menos, en directo también aparecía. Llegó un día en el que sentí una barrera técnica pero que también afectaba a mi ritmo, al tono, etc. Entonces, empecé a cambiar mi forma de practicar. Comencé a tocar muy relajado. Trataba que mi mente y mi cuerpo estuvieran muy relajados para tocar y practicar. En ese momento, empecé a sentir un gran cambio a mejor. Mi tono y ritmo empezaron a mejorar. Mis manos y brazos sufrían menos al tocar y, sobre todo, aumentó mi motivación al ver que estaba en el camino correcto.

Antes de seguir leyendo, quiero que trates de pensar si cuando tocas sientes un sobre esfuerzo en tus manos o brazos. Quizás, necesites tocar algo que requiera técnica o concentración para notarlo pues, a lo mejor, estás muy acostumbrado y no has reparado en ello. Si piensas que tocas con tensión, sigue leyendo para intentar solucionarlo y empezar a tocar mucho mejor.

Lo primero que haremos es diferenciar entre la tensión física del principiante (ya sea cuando aprendemos nuestro primer acorde o cuando aprendemos una nueva técnica o digitación) de la tensión que genera nuestra mente ante la dificultad de un pasaje, técnica o por la propia concentración.

Lo segundo que vamos a aclarar es que tocar con tensión es sinónimo de tocar peor. Nos puede afectar al tono, ritmo, etc. Tocar con las manos o brazos tensionados es lo contrario al avance.

Para empezar a remediar este problema necesitamos tocar siempre de forma consciente. De esta manera, podremos sentir cuándo aparece la tensión y tratar de evitarla o, al menos, disminuirla. A continuación, te recomendaré una serie de sugerencias que te harán disminuir la tensión al tocar:

  1. Estira y calienta tus manos, brazos, cuello y espalda antes de tocar. Es muy importante que tus músculos y tendones no estén fríos o rígidos. De esta forma, evitarás lesiones y molestias.
  2. Trata de estar relajado (tanto mental como físicamente) en tus horas de práctica. Si estás nervioso o agitado por cualquier motivo, te perjudicará bastante en tu forma de tocar.
  3. Empieza tu práctica con recorridos de escalas sencillos donde apenas tengas que forzar tus manos. Evita bends, vibratos, ligados, etc. en los primeros minutos.
  4. Trata de tocar con ambas manos con la mínima fuerza. Piensa que para hacer sonar una nota la fuerza o tensión que necesitamos es mínima. Por lo tanto, tienes que tocar súper relajado. La sensación al tocar tiene que ser ligera casi flotante.
  5. Muy atento en los ejercicios exigentes o pasajes difíciles. Es un error habitual cuando practicamos algo nuevo o de un nivel superior tensar las manos debido a la concentración o los nervios. Por ello, debes prestar mucha atención y si empiezas a sentir tus manos tensionadas, será el momento de intentar relajarlas. Si no puedes tocar dicho pasaje o ejercicio sin tensión, deberás bajar la velocidad y tocarlo de tal forma que sientas tus manos relajadas y cómodas.
  6. Insiste y persiste evitando la tensión durante días o semanas hasta que tocar de forma relajada se convierta en tu forma de natural de tocar y practicar. 
  7. Estira cuando termines de practicar. Es algo que suele olvidarse bastante pero es muy importante para nuestros músculos y tendones volver a su estado natural después del esfuerzo practicando.

Recuerda que todo guitarrista que consigue buen nivel técnico toca con las manos muy relajadas. La tensión de tus manos puede ser esa barrera técnica que no terminas de superar y empieza a frustrarte cada día en tu practica.

En mis clases de guitarra eléctrica trato de que mis alumnos aprendan la teoría, técnica, armonía moderna, improvisación, composición, etc. de forma personalizada y amena. Un buen profesor puede evitarte cometer errores y, sobre todo, allanarte el camino para conseguir tus objetivos optimizando mejor tu tiempo. Si estás interesado en aprender tocar, mejorar tu técnica y comprender la teoría y armonía de una forma sencilla y práctica puedes contactar conmigo a través del siguiente formulario:

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9 ideas para mejorar tus RIFFS

Sergio-mora.com

Mucho se habla acerca de solos de guitarra pero, si nos paramos a pensar, los riffs tienen más peso en la mayoría de canciones que solemos escuchar. Mientras que el solo de guitarra, por norma general, ocupa no más de 1 minuto de la canción (salvo en géneros de tipo shred), los riffs tienen mucho más espacio y suelen ser mucho más recordados. Seguro que puedes tararear muchos más riffs que solos, ¿verdad? Sin embargo, si observamos Internet, veremos que está lleno de tutoriales, lecciones y licks para mejorar tus solos pero para aprender a componer riffs el material es mucho más escaso.

En esta lección quiero proponerte varias ideas que enseño a mis alumnos y tanto a ellos como a mí, nos han ayudado mejorar nuestros riffs.

  1. Analiza Riffs de tus bandas favoritas: aprender y analizar tus riffs preferidos hará que entiendas de verdad cómo han sido compuestos y, así, podrás utilizar sus formas compositivas y recursos en tus riffs propios. No tengas miedo a sonar parecido a cierta banda, solo es el primer paso. Una vez aprendido y entendido el riff, el segundo paso será hacerlo tuyo. Modifica el riff, cambia el ritmo, los acordes, añade silencios, cámbialo de tono o modo. De esta forma, conseguirás aprender e influenciarte de los grandes guitarristas pero también estarás trabajando tu creatividad componiendo tus propios riffs.
  2. Usa técnicas menos típicas en tus Riffs: hay técnicas como el palm mute, down picking o el uso de los powerchords que son muy utilizadas en los riffs de rock/metal. Pero otras técnicas como el tapping, sweep picking, hybrid picking, etc. se asocian más a los solos. Por lo tanto, quizás sea el momento e experimentar con esas técnicas no tan usuales en los riffs. Por ejemplo, la banda de metal  Gojira (haz click para escuchar su tema «Oroborus») utiliza el tapping como recurso en sus riffs y han conseguido un sonido muy personal. En definitiva, te recomiendo pensar en qué recursos usas y cuales no. Esto te ayudará a darte cuenta qué técnicas nuevas podrías incluir en tu riffs para darle una vuelta de tuerca a tu sonido.
  3. Aprovecha todo el mástil para crear riffs: ¿Por qué no utilizar todas las posibilidades y sonoridades que nos brinda el mástil? A veces asociamos los primeros trastes y cuerdas graves para hacer riffs pero si tocamos el mismo riff en una octava más aguda puede que quede más interesante o directamente prueba a componer riffs en zonas donde antes no lo hayas hecho.
  4. Saltos de cuerda: trata de crear una frase o riff que incluya algún salto de cuerda, puede que encuentres un sonido nuevo jugando con los intervalos.
  5. Toca acordes nuevos: si estás un poco aburrido de los mismos acordes puedes aprender uno nuevo y tratar de usarlo con tus acordes de siempre.
  6. Toca acordes en otras posiciones: mueve tus powerchords, tríads, tetradas a otras zonas donde no suelas tocarlos. Esto puede ayudarte a encontrar nuevos sonidos sin necesidad de aprender nada nuevo.
  7. El ritmo: tener un buen control del ritmo es primordial para crear buenos riffs. Por ello, te recomiendo practicar con metrónomo tus riffs, aprender y practicar las figuras rítmicas (negras, corcheas, semicorcheas, tresillos, etc.) y sus respectivos silencios (no los infravalores, son sumamente importantes).De esta forma, conseguirás nuevos riffs con más valor rítmico.
  8. Los compases: aprender a tocar en compases diferentes a los más comunes puede abrirte un mundo de posibilidades.
  9. Aprende nuevos recursos, escalas, arpegios, técnicas, etc.: por último, te recomiendo estar en constante aprendizaje para sentirte motivado y seguir componiendo música que te siga emocionando día a día.

Si estás interesado en seguir evolucionando y tener un mejor control del mástil, en mis clases de guitarra eléctrica online puedo ayudarte a conseguirlo. Contacta conmigo a través del siguiente formulario:

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¿Dónde se encuentra el buen sonido de un guitarrista?

Muchas veces pensamos en comprar amplificadores, guitarras o pedales de elevado precio. También fantaseamos con el equipo que usan guitarristas míticos. Sin embargo, obviamos que el verdadero sonido de nuestros guitarristas favoritos se encuentra en sus dedos. Cómo hacen un bending o la elección de la nota adecuada es donde se encuentra ese sonido tan especial y que tantas veces nos eriza la piel.

Por ello, creo que la mejor inversión para conseguir un buen tono al tocar es la formación y el aprendizaje. Una buena guitarra y buen amplificador son necesarios, pero tocar con ritmo y con una técnica limpia y depurada es lo más importante. El conocimiento necesario en armonía y la teoría también serán fundamentales para desarrollar un buen tono personal.

En este vídeo, por ejemplo, aparece Joe Satriani tocando su tema «Surfing with the alien» con una guitarra barata. Es la prueba de que los dedos y el conocimiento son más importantes que el equipo.

Dicho esto, una guitarra y amplificador con un mínimo de calidad son necesarios para facilitar el aprendizaje y disfrutar de un buen sonido. Como al principio nuestros dedos serán débiles, necesitaremos una guitarra cómoda con una buena acción en las cuerdas. También un mal sonido de distorsión en el amplificador puede desmotivarnos a la hora de practicar, por ejemplo.

Si estás empezando a tocar o quieres seguir mejorando, en mis clases de guitarra eléctrica podemos trabajar tus necesidades e inquietudes como guitarrista. 

 

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Alternate Picking en dos cuerdas (Am) Lick Heavy Metal

 

Se trata de un gran ejercicio para mejorar nuestra púa contra púa. Está compuesto en LA menor. También nos servirá para visualizar mejor la escala menor de forma horizontal en dos cuerdas. Te recomiendo que lleves esta idea a las demás cuerdas y tonalidades.

Rock on!

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Tiempo de práctica

El tiempo de práctica para conseguir avances y mejoras en nuestra forma de tocar es continuamente cuestionado y discutido. Hay quien cree que se debe estudiar 8 horas diarias como Steve Vai declaró que practicaba. Otros creen en intervalos pequeños de tiempo pero con practica más concreta para conseguir pequeños avances. Pero la realidad es que el tiempo es totalmente subjetivo y diferente para cada persona porque no tenemos las mismas aptitutes físicas ni psíquicas. Por lo tanto, el tiempo de práctica será diferente para cada uno. Y dependerá de las necesidades y virtudes musicales, del tiempo hábil que dispongamos, del nivel en que nos encontremos, etc. Por ello, creo que no existe el método ideal o el tiempo imprescindible para lograr tus objetivos. En lo que creo es en el trabajo diario y en los retos a corto/medio plazo.

A continuación, te recomendaré varias ideas para aprovechar mejor tu tiempo de práctica y estudio.

  • Determina un espacio de tiempo (diario si es posible) para el estudio del instrumento. Es muy importante disponer de un tiempo especifico para la práctica.
  • En tu tiempo destinado al estudio, evita el movil, redes sociales, o factores que te puedan distraer de lo importante: la práctica.
  • Planteate que es lo que quieres conseguir a corto/medio plazo con el instrumento. Una vez planteado, busca ayuda en un profesor o si decides ser autodidacta, busca y compara diferentes metodos, ejercicios o formas de trabajar lo planteado. No existe el método ni ejercicio definitivo. Por ejemplo, si decides aprender una escala, busca diferentes maneras de practicarla (de forma vertical, horizontal, en diferentes tonos…).
  • ¿Ya has decidido tus objetivos? Ahora te recomiendo ser muy especifico y concreto en tus retos. Por ejemplo, si has decidido aprender una canción, te aconsejo aprender compás tras compás. Si decides aprender las tríadas o tetradas elige solo por ejemplo las menores y ponlas en práctica. Cuando seas capaz de tocarlas con facilidad, añade las mayores y así, sucesivamente. Tener retos pequeños te ayudará a poder interiorizarlos más rápido y obtener resultados antes.
  •  Por último, y por ello no menos importante es que disfrutes del estudio y la práctica de tu instrumento. Algunas veces sentimos la carga o imposición de aprender rápido pasando por alto que ante todo la música SE DEBE DISFRUTAR.  Es normal sentir frustración o tedio en algunas partes del estudio pero no debe ser lo común. Si hemos decidido dedicar nuestro tiempo a la música es porque nos hace felices, ¿No?. 🙂

El tiempo de práctica es imprescindible para conseguir nuestros objetivos. Tú has de ser quien supervise tus logros y necesidades, analiza como es tu progreso y no tengas miedo a cambiar tu forma de practicar.

Si estás interesado en tomar clases de guitarra eléctrica y mejorar tu visualización, técnica, improvisación, etc. Contacta conmigo y empecemos a trabajar en ello! Para más info, haz click en: Clases de guitarra eléctrica – Sergio Mora

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3 errores muy comunes en el aprendizaje de las escalas

¿Eres capaz de improvisar con las escalas que conoces en todas las zonas del mástil?

Puedes averiguarlo haciendo el ejercicio de la lección «Visualización de escalas»
Es muy frecuente encontrarme en mis clases el perfil de alumno que lleva tiempo tocando, sabe algunas escalas y acordes, toca alguna canción, etc. pero no es capaz de tocar esas escalas que cree conocer en cualquier zona del diapasón y desde cualquier cuerda. Ya sea porque en las clases que recibió con anterioridad no profundizaron en el aprendizaje (comprensión teórica y visual) de las escalas o porque las aprendió en internet de forma dispersa, aleatoria y sin ningún seguimiento, es muy común el guitarrista principiante/medio que cuando se encuentra en la tesitura de improvisar en una tonalidad poco habitual y/o desde cualquier cuerda o zona se pierde constantemente o directamente no es capaz de tocar la escala que creía conocer.
En esta lección hablaré sobre 3 errores comunes que trato de solucionar en mis clases de guitarra eléctrica y recomendarte nuevas formas de practicar y estudiar las escalas.
  1.  Empezar siempre desde la 6ª cuerda. Suele ser muy habitual que para empezar a tocar una escala, la cuerda más grave sea siempre el inicio para muchos guitarristas pero, ¿Acaso todas las pociones de la escala empiezan desde la 6ª cuerda? No, Solamente un par de posiciones de las 5 (posición centrada) o 7 (3 notas por cuerda) empiezan desde dicha cuerda. Por lo tanto, las escalas se han de empezar a tocar desde su tónica si las queremos aprender correctamente y no depender de la socorrida 6ª cuerda para poder empezar a improvisar.
  2.  Aprender únicamente las escalas de forma vertical. Muy típico es aprender y repetir hasta la saciedad la escala de forma de abajo/arriba y de arriba/abajo pero, ¿Sólo se puede tocar la escala de forma vertical? No, también se puede tocar de forma horizontal, diagonal o con saltos de cuerda. Por ello, un nuevo objetivo puede ser reaprender las escalas que conozcas de las anteriores formas.
  3.  Tocar solamente en una o muy pocas tonalidades. También es muy típico aprender e improvisar en una tonalidad o alguna otra, siendo las más comunes Do, Sol, Mi, La… pero, ¿Por qué no tocar y aprovechar las 12 tonalidades en las que podemos crear música? Pues como no se me ocurre ningún incoveniente… ya tenemos nuevo proposito para mejorar. Ponte a prueba e intenta improvisar y componer en tonalidades menos habituales. ¿Mib, Sib…? 😉
Te animo a poner en práctica o solucionar los tres puntos anteriores y te aseguro que conseguirás muy buenos resultados. Si te sentiste identificado, me gustaría que me contaras tu experiencia.
En mis clases de guitarra eléctrica podemos profundizar en tu práctica y estudio de la guitarra eléctrica de forma más personalizada y adaptada tus necesidades como guitarrista. Contacta conmigo para reservar tu primera clase gratis y/o preguntarme cualquier duda que tengas respecto a mis clases.
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Patrones melódicos en pentatónica menor (forma diagonal)

En anteriores lecciones como Domina la pentatónica o Pentatónica menor en dos cuerdas, hemos practicado la escala de forma vertical y horizontal. Ahora nos toca el turno de trabajar la pentatónica con una mezcla de las dos anteriores: en forma diagonal. Se trata de un ejercicio muy interesante que nos dará un sonido o fraseo mas avanzado y divertido. Consiste en tocar patrones melódicos de 3 y 4 notas en diferentes cuerdas y dibujos pentatónicos. Guitarristas como Zakk Wylde, Slash, Dave Mustaine, Jimmy Page y un largo etc. han usado estos patrones en sus solos de guitarra y a todos nos conquistaron. Los siguientes patrones melódicos están escritos en la pentatónica menor de MI.

 

  • El primer patrón tocaremos 3 notas en sentido descendente desde el dibujo E hasta el A. Empezamos en 1ª cuerda y acabaremos en 5ª. Como puedes observar en los finales de los tres primeros compases tenemos silencios. Le dan un toque mas interesante al patrón. Te recomiendo introducir silencios en los patrones melódicos y experimentar con la idea.
  • El segundo también tocaremos 3 notas pero en sentido ascendente, desde el dibujo A hasta el E.

  • Los primeros tres compases tocaremos un patrón de cuatro notas en sentido descendente. Recorriendo desde el dibujo E hasta el A.
  • En el segundo pentagrama también tocaremos un patrón de 4 notas pero en sentido ascendente. Desde el dibujo A hasta el E.

 

En cuanto a la parte técnica, te recomiendo tocarlo con alternate picking (púa contra púa). Conseguirás un sonido muy contundente. Prueba a tocarlo con Palm mute en las cuerdas más graves. De esta forma, jugarás con sonidos diferentes y controlarás mejor el ruido. Por último, una vez que seas capaz de tocar los patrones con facilidad, improvisa con ellos en diferentes tonalidades. En mi canal de Youtube encontrás backing tracks para practicar los patrones melódicos.

En mis clases de guitarra eléctrica puedo ayudarte a mejorar tu forma de tocar y comprender mejor que sucede entre las cuerdas y los trastes de una forma amena y creativa. Más información en: Clases de guitarra eléctrica – Sergio Mora

 

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Visualización de escalas

Visualización de escalas

El aprendizaje, interiorización y desarrollo de las escalas es muy amplio. Habiendo mil formas de estudiar y visualizarlas. En esta lección nos centraremos en la visualización de las escalas desde cualquier cuerda. Es un método muy sencillo pero totalmente imprescindible y eficaz para mejorar tu control del mástil. A continuación, te explicaré paso a paso como estudiar las escalas.

 

  1. Elige un traste al azar.                                                                                                                                                  mastil ibanez_phixr
  2. Sitúate en la primera cuerda.                                                                                                                                     mastil ibanez_ flecha cuerda
  3. Elige una escala que conozcas. Por ejemplo, elegiremos la Pentatónica menor. Te recomiendo practicar este ejercicio con cualquier escala que conozcas y quieras visualizar mejor.
  4. Toca la escala hacia la derecha del diapasón, empezando desde el dedo indice. Sitúa la tónica en el traste elegido y cuerda 1. Te recomiendo que antes de tocar la escala visualices las tónicas del patrón.

    Pentatónica menor

    Pentatónica menor – Sergio-mora-com

  5. Repite el mismo proceso en el resto de cuerdas y en el mismo traste.                                    Pentatónicas Tónicas en traste 5.png
  6. El siguiente paso será repetir los 5 puntos anteriores pero tocando la escala hacia el lado izquierdo (empezando desde el dedo meñique).                                     Pentatónicas traste 5 izq.png

Con este ejercicio seguramente te darás cuenta que no visualizas las escalas situando la tónica en ciertas cuerdas. Por ello, será un fantástico ejercicio para dominar las escalas desde cualquier cuerda y tonalidad. Este ejercicio trata de romper esos «vicios» como empezar desde la sexta cuerda, la tendencia de empezar las escalas hacia la derecha, tocar siempre en las mismas zonas, etc.

BENEFICIOS DEL EJERCICIO

  • Visualizarás las escalas desde cualquier cuerda.
  • No dependerás de empezar las escalas desde la sexta o primera cuerda.
  • Cambiarás de tonalidad sin necesidad de saltar de posición en el diapasón.
  • Tu improvisación mejorará notablemente con el control de las escalas en todo el mástil.

 

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RITMO Y METRÓNOMO .1

Tener buen ritmo es imprescindible para cualquier músico. Si tocamos en una banda y nuestro tempo o ritmo es inestable, el conjunto se verá afectado sonando realmente mal. En esta lección practicaremos el ritmo empezando por lo básico. Busca un metrónomo, si no tienes… ¡No hay excusa! 🙂 en el buscador escribe metrónomo y te aparecerán varios. También existen apps de metrónomo gratuitas. A continuación, empezaremos con unos ejercicios sencillos donde empezaremos a trabajar las siguientes figuras rítmicas; negras, corcheas, semicorcheas y tresillos.

¿A que velocidad debo poner el metrónomo? Debes probar y observar con una velocidad en la que te sientas cómodo y seas capaz de escuchar el click y tu nota. Por ejemplo, si pruebas a 80 bpm y compruebas que es demasiado veloz, baja a 70 bpm y vuelve a probar hasta encontrar la velocidad adecuada. Una vez encontrada, practica el ejercicio y ve subiendo la velocidad progresivamente.

  1. Combinación de negras (1 nota por click) y corcheas (2 notas por click) en 4/4. Practícalo con alternate picking (Púa abajo, púa arriba).

Ritmo y metrónomo 1#1

Ahora combinaremos las corcheas y las negras en la escala pentatónica menor. Utiliza la técnica alternate picking y legato (ligados).

Ritmo y metrónomo 1 pent.#1

2. Semicorcheas (4 notas por click) combinándolas con corcheas. En el tercer compás practicaremos las semicorcheas combinándolas con corcheas en la escala menor natural de La. Practícalo con alternate picking. En la escala menor te recomiendo que lo practiques también con legato.

Ritmo y metrónomo 1 menor#1

3. Tresillos (3 notas por click). En la escala pentatónica menor y menor natural. Practícalo con alternate picking y legato.

ritmo-y-metrc3b3nomo-1-tresillos1.png

4. Por último, te recomiendo que practiques cada figura rítmica en tus improvisaciones, siendo consciente del tempo de la canción o backing track. Combina las 4 figuras rítmicas.

-Presta mucha atención al click del metrónomo y ve subiendo la velocidad progresivamente. Incluye estos ejercicios en tu práctica diaria. De esta forma, tu ritmo mejorará notablemente. Próximamente escribiré la segunda parte de esta lección de «Ritmo y metrónomo».

¿Quieres mejorar y desarrollar tu forma de tocar? En mis clases puedo ayudarte a conseguirlo.

Clases de guitarra eléctrica – Sergio Mora

 

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